EL ARTE ¿QUE ES?

EL ARTE ¿QUE ES?

El término arte procede del latín ars, y es el equivalente al término griego τέχνη (téchne, de donde proviene 'técnica'). Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer.

La historia del arte: indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función ritual y mágico-religiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. De todas formas, la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura. Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas. Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde encontramos una de las etapas más importantes de la Historia del Arte tanto por los magníficos artistas que en ella trabajaron como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy son alabadas en todo el mundo. Así, por ejemplo, tendríamos que destacar a figuras de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Donatello, Tiziano o Rafael. Y en cuanto a trabajos destacaríamos, por ejemplo, “La Gioconda”, “La Capilla Sixtina”, “Gattamelata”, “Venus de Urbino” y “Los desposorios de la Virgen” respectivamente. La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía (literatura). Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografía como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas. En este sentido, hay que destacar que la UNESCO se dedica a catalogar a aquellas obras y monumentos artísticos que tienen un valor incalculable y una belleza inigualable. En este caso podríamos hablar, por ejemplo, de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada, la Catedral de Sevilla o el Yacimiento Arqueológico de Atapuerca. Sin embargo, en todo el mundo existen monumentos que reciben esta misma catalogación. Entre los mismos se encuentran el Templo Tiwanaku en Bolivia, las Iglesias de Chiloé en Chile, el centro histórico de Lima o el Castillo de San Pedro de la Roca en Santiago de Cuba. Y todo ello sin olvidarnos tampoco de los Palacios Reales de Abomey en Benín, el Chichén Itza en México, la Estatua de la Libertad de Estados Unidos, las necrópolis de Egipto, la Iglesia de la Natividad en Palestina o el Castillo de Durham en Reino Unido.

Con el paso del tiempo, las creaciones artísticas suelen sufrir importantes deterioros. Por eso, el conjunto de procesos dedicados a la preservación de estos bienes culturales para el futuro es conocido como conservación y restauración de obras de arte.

El origen del arte se sitúa en el Paleolítico, durante la Edad de Piedra. Si bien hace unos años estaba extendida la teoría de que el arte surgía a principios del Paleolítico Superior como una producción característica del Homo Sapiens Sapiens hace 40.000 años en Europa, se han encontrado recientemente manifestaciones artísticas mucho más antiguas en otros continentes como África y Australia. A partir de estos hallazgos se cree que la aparición del arte es un fenómeno universal y se contempla la posibilidad de que el hombre de Neandertal (Homo neanderthalensis) también produjese arte. Las primeras obras de arte Estas primeras manifestaciones artísticas no coinciden con la definición actual de qué es arte, sino que son producciones de las llamadas artes y oficios (véase artes aplicadas). El arte por el arte, la creación de obras bellas con función estética y su coleccionismo es un invento moderno con tan solo unos cuantos siglos de antigüedad que no aparece en los pueblos tradicionales. A grandes rasgos los ejemplos más característicos del comienzo del arte son las pinturas rupestres, las figuras y otros objetos tallados del arte mueble y los monumentos megalíticos. En la línea del tiempo: El arte en la Edad de Piedra, encontrarás información más detallada con fechas, nombres y lugares de los descubrimientos de obras de arte más antiguas e importantes del Paleolítico y el Neolítico.

    

La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: “el arte es el recto ordenamiento de la razón” (Tomás de Aquino); “el arte es aquello que establece su propia regla” (Schiller); “el arte es el estilo” (Max Dvořák); “el arte es expresión de la sociedad” (John Ruskin); “el arte es la libertad del genio” (Adolf Loos); “el arte es la idea”(Marcel Duchamp); “el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte” (Dino Formaggio); “el arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad” (Pablo Picasso); “arte es vida, vida es arte” (Wolf Vostell). El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, arte solo se consideraban las artes liberales; la arquitectura, la escultura y la pintura eran “manualidades”. El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.

Evolución histórica del concepto de arte:

En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y primera cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’: destreza para construir un objeto, para comandar un ejército, para convencer al público en un debate, o para efectuar mediciones agronómicas. En definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía, que venía de la inspiración, no estaba catalogada como arte. Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de filosofía o incluso de profecía .Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de filosofía o incluso de profecía –para lo que fue determinante la publicación en 1549 de la traducción italiana de la Poética de Aristóteles–. En este cambio intervino considerablemente la progresiva mejora en la situación social del artista, debida al interés que los nobles y ricos prohombres italianos empezaron a mostrar por la belleza. Los productos del artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético y, por ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social, incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el coleccionismo.7​ Surgieron en ese contexto varios tratados teóricos acerca del arte, como los de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439; De re aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o Los Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la influencia aristotélica, pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló de decorum, el tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el primero en periodificar la historia del arte, distinguiendo antigüedad clásica, periodo medieval y lo que llamó “renacer de las artes”.

Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la naturaleza. Apareció en el arte un nuevo componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como lo grotesco.

Los siguientes avances se hicieron en el siglo XVIII con la Ilustración, donde comenzó a producirse cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado.Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones críticas sobre la poesía y la pintura (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Así, para Dubos el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata que el conocimiento racional.

En el romanticismo:surgido en Alemania a finales del siglo XVIII con el movimiento denominado Sturm und Drang, triunfó la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, desarrollando la noción de genio –el arte es la expresión de las emociones del artista–, que comienza a ser mitificado.

Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor ruso Lev Tolstoi: en ¿Qué es el arte? (1898) se planteó la justificación social del arte, argumentando que siendo el arte una forma de comunicación solo puede ser válido si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos los hombres. Para Tolstoi, la única justificación válida es la contribución del arte a la fraternidad humana: una obra de arte solo puede tener valor social cuando transmite valores de fraternidad, es decir, emociones que impulsen a la unificación de los pueblos. En esa época se empezó a abordar el estudio del arte desde el terreno de la psicología: Sigmund Freud aplicó el psicoanálisis al arte en Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci (1910), defendiendo que el arte sería una de las maneras de representar un deseo, una pulsión reprimida, de forma sublimada.

Visión actual: El siglo XX ha supuesto una radical transformación del concepto de arte: la superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e individuales, partiendo del movimiento romántico y cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche, suponen una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo de Bergson, la Teoría de la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica, la teoría del psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, debido a que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos.​ El arte actual tiene oscilaciones continuas del gusto, cambia simultáneamente junto a este: así como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas inmutables, el actual, de raíz kantiana, encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de masas). También hay que valorar la progresiva disminución del analfabetismo, puesto que antiguamente, al no saber leer gran parte de la población, el arte gráfico era el mejor medio para la transmisión del conocimiento –sobre todo religioso–, función que ya no es necesaria en el siglo XX.

Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo XX supone una pérdida del concepto de belleza clásica para conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador.

Tipos de arte:

Las artes pueden ser clasificadas siguiendo diversos criterios. Conozcamos algunos de ellos.

De acuerdo a la disciplina

Artes plásticas

Son consideradas artes plásticas todas aquellas expresiones artísticas que transforman o modifican los materiales, sea en superficies bidimensionales o tridimensionales. Las artes plásticas explotan elementos como el plano, las líneas, el volumen, la textura, etc. Se puede clasificar en:

Pintura (La joven del arete de perlas de Vermeer); escultura (David de Miguel Ángel); arquitectura (cúpula de la Catedral de Santa Maria del Fiore en Florencia, diseñada por Brunelleschi).

Artes mayores: se refiere a aquellas manifestaciones de las artes plásticas que tienen por propósito la contemplación estética. Coinciden con aquellas reconocidas como "bellas artes" por su carácter autónomo respecto a la utilidad. Esencialmente, pintura, escultura y otras disciplinas semejantes.

Vea también Línea.

Artes menores: elementos artísticos son aplicados a objetos utilitarios artes menores, artes aplicadas o artes utilitarias: son aquellas expresiones plásticas que están subordinadas a un principio de utilidad. Entre ellas se pueden mencionar la ebanistería, la orfebrería, el vitral, el mosaico y las artes decorativas en general.

Artes musicales o sonoras:

Es una expresión que refiere a todas las manifestaciones de la música, independientemente de su género, estilo o formato. Recientemente, se ha incorporado también una disciplina específica de aparición reciente, conocida con el nombre de arte sonoro.

Artes literarias o literatura:

Se refiere a todas las manifestaciones de la literatura. Entre ellas podemos mencionar: la narrativa (novela y cuento), la poesía, el ensayo y la dramaturgia.

Artes escénicas:

Engloba el conjunto de manifestaciones destinadas a la representación escénica. Por sus características, las artes escénicas son interdisciplinarias. Dentro de ellas se pueden mencionar el teatro por excelencia, así como la danza, el teatro de títeres, los espectáculos, los musicales y la ópera, entre otros.

Artes audiovisuales:

Se refiere a todas aquellas expresiones artísticas que utilizan recursos sonoros y visuales, captados y transmitidos por medio de la tecnología. Incluye al cine, el vídeo-arte, el video-clip, etc.

De acuerdo al concepto de bellas artes

La noción de bellas artes jerarquiza el valor de las disciplinas artísticas de acuerdo al principio de "pureza", esto es, la libertad total con respecto al principio de utilidad, lo que subraya su carácter estético y autónomo.

Por ello, la clasificación de las bellas artes solo abarca siete disciplinas, que son pintura, escultura, literatura, música, danza, arquitectura y cine. Esta última fue añadida en la primera mitad del siglo XX.

Las diferentes disciplinas artísticas se adaptan o rompen con los criterios estéticos dominantes de cada época. Tienen un estrecho vínculo con las ideas o conceptos relativos al arte, la filosofía o la sociedad, definiéndose a través de valores estéticos particulares, como la belleza, la armonía o el equilibrio.

Esto deja por fuera todas las demás disciplinas consideradas artísticas, al estar asociadas a algún tipo de utilidad o función distinta a la contemplación.

De acuerdo a su manifestación en el tiempo y el espacio:

Artes espaciales: se refiere a todas aquellas que tienen materialidad concreta, es decir, que son materialmente tangibles. Incluye arquitectura, pintura, escultura, grabado, litografía, dibujo, fotografía, etc.

Artes temporales: son aquellas artes inmateriales que se manifiestas en el tiempo. Involucra, esencialmente, la música y literatura en todas sus manifestaciones.

Artes espacio-temporales: son aquellas artes fenoménicas o performánticas, que combinan la espacialidad y la temporalidad. Dentro de esta categoría podemos encontrar el teatro, la danza, el cine, el vídeo-arte y el vídeo-clip.

Diferencia entre arte y artesanía:

A partir del Renacimiento, en el mundo de las artes plásticas se demarcó una separación entre arte y artesanía. La diferencia entre ambos estriba en que las piezas de arte suelen ser piezas únicas atribuidas al genio de un autor. En cambio, la artesanía responde a la repetición de un modelo tradicional, sea mediante procesos manuales o industriales, ya que en cualquier caso se trata de un proceso serial.

Arte Abstracto: El arte abstracto surge en el año 1910 en Munich, de la mano del artista ruso Wasily Kandinsky, exponiendo las primeras ideas sobre el arte abstracto, cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas de siglo XX, siendo una idea contraria al pensamiento del arte figurativo.

El arte abstracto no representa figuras, objetos o personas, sino que utiliza un lenguaje visual propio con unos significados variados, realizando formas abstractas, sin imitar o representar fielmente de lo natural. Es un estilo que hace foco en los detalles formales, estructurales y cromáticos y los profundiza a través de la acentuación de su valor y su poder expresivo.

Cuando se inició el arte abstracto hubo grandes polémicas y discrepancias, se decía que no era en sí arte, en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo, pero según pasa el tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo siendo ahora cuando nadie se atreve a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.

ARTE CONTEMPORANEO: El arte contemporáneo viene de finales del S. XIX, este concepto creado en el siglo XX fue el resultado de arrastrar varias técnicas del siglo XIX, es más se considera que el principal punto de partida de este nuevo concepto fue del Impresionismo y el Postimpresionismo. Se dice esto porque de esos movimientos artísticos se desarrolló las vanguardias más famosa y conocida del Siglo XX. Entre esas vanguardias podemos encontrar: el fauvismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el futurismo y el dadaísmo. Todas estas corrientes tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico, tienen un punto en común y es la pasión de innovar y conceder al arte un espacio muy distinto al que poseía antes.

Por ello podemos decir que, el arte contemporáneo se caracteriza por tener una conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las formas y la composición, es querer encontrar una nueva manera de expresión que no encaje con todo lo que se había hecho hasta ese momento. Así pues, comenzó a desarrollar un sinfín de formas nuevas y a comenzar desde un espacio nuevo donde la forma y el color adquirieron propiedades fuertes.

ARTE MODERNO: El arte moderno es un concepto muy singular ya que tiene diferentes ámbitos en el mundo del arte sobre todo en la estética, en la historiografía, en la teoría de lo que es el arte y en el mercado. Y es que este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la parte productiva del arte que estará identificada con unas determinadas definiciones de modernidad, es decir, para que lo entendáis mejor por ejemplo el arte académico hace una representación de todo lo tradicional del arte, mientras tanto este estilo de arte experimenta para sacar cosas innovadoras.  por eso que mucha gente lo confunden, algo normal después de todo. Pero para poder diferenciar al arte moderno del arte contemporáneo solo tenemos que saber que este concepto como estético y no como cronológico (como podría ser el caso del arte contemporáneo), para que lo entienda mejor pondremos un ejemplo un pintor como puede ser William Adolphe Bouguereau no realizaba obras de este estilo de arte, pero Vincent Van Gogh sí que las realizaba. Si observáis dos obras de estos pintores notareis la diferencia entre una y otra.

ARTE CALLEJERO: Existen muchos artistas callejeros desde que comenzó este estilo de arte hasta la actualidad, aunque los artistas más destacados y reconocidos siempre han sido Blek le Rat, John Fekner, Shepard Fairey y Banksy. En las obras de estos artistas se podían apreciar diferentes y diversas estéticas y técnicas usadas, además de las diferentes ideologías que tenían cada uno de ellos.

Sin embargo, en la actualidad existen muchos más artistas destacados, pero tanto estos artistas como los que hemos nombrado anteriormente no son reconocidos por el mundo ya que pocas veces se ha reconocido al arte callejero como arte sino como vandalismo. Sea como sea, el arte callejero siempre será arte ya que los artistas hacen obras que merecen la pena ser vistas y entendidas. El grafito: dentro de este estilo incluye también lo que se llama pintadas, pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble. El grafiti es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o grafiti a un tipo específico. En este sentido, una pintada política no sería un grafito.

ARTE BISUAL: Las artes visuales son una representación artística y expresiva, cuya apreciación visual está basada en el artista que crea y rehace mundos fantásticos o naturales mediante materiales usados con diferentes y variadas técnicas que permite al artista manifestar todas sus emociones, sentimientos y apreciación del mundo que lo rodea. Por eso las artes visuales son una especialización de arte que también introduce a las tradicionales artes plásticas e incluye varias maneras nuevas de expresión artística que aparecen en el siglo XX, además de eso también se introduce el uso de los progresos realizados en la tecnología, que se denominan como un nuevo medio. Por todo esto se da origen a nuevas maneras de entrecruzamiento y expresión de distintas modalidades artísticas. Todas las artes visuales están enfocadas a la visión de la naturaleza y se pueden clasificar en los siguientes grupos: Pintura, Arquitectura, Fotografía, Escultura, también está en este grupo el video, la producción audiovisual y la instalación. Podemos integrar las artes plásticas como el dibujo, grabado, cerámica, artesanía y diseño, aunque estas disciplinas pueden ser integradas en otras modalidades artísticas a parte del arte visual.

ARTE AZTECA: El arte azteca es, fundamentalmente, un arte al servicio del Estado, un lenguaje utilizado por la sociedad para transmitir su visión del mundo, reforzando su propia identidad, frente a las de las culturas foráneas. Tiene un fuerte componente político- religioso, el arte azteca se expresa a través de la música y la literatura, pero también de la arquitectura y la cultura, valiéndose para ello de soportes tan variados como los instrumentos musicales, la piedra, la cerámica, el papel o las plumas. El arte azteca es violento y mudo, pero deja entrever una complejidad intelectual y una sensibilidad que nos hablan de su enorme riqueza simbólica. Aun así, el arte azteca se diferencia de otros tipos de arte por la esencia que plasmaba en sus obras de arte.

Las ruinas aztecas indican una dominación de la grandeza frente a la calidad de los materiales. Su arquitectura era menos refinada que la del pueblo maya. Los artistas aztecas fueron muy creativos y utilizaron tejidos y plumas para la fabricación de artefactos decorativos o rituales.

ARTE DIGITAL: El arte digital es una corriente artística que se realiza principalmente gracias a la tecnología informática. Este estilo de arte se diferencia de otros estilos tradicionales principalmente porque el resto de las clases artísticas no son tecnológicas y este tipo de arte sí. En el arte digital se introduce en un procedimiento de desmaterialización de las representaciones artísticas que se retrotrae con el ingreso de la fotografía como el principal medio de las artes en el siglo XIX. Cuando hablamos de la tecnología, hacemos referencia al proceso o instrumento que hace posible la creación de algo, observando esta definición se puede percibir que no existe una distinción entre una paleta grafica de un pincel. Sin embargo, el arte digital se clasifica dependiendo del soporte que se haya utilizado para crear la obra y por ello existen algunas categorías que son: CD – Rom – Art, instalaciones interactivas, net. Art., videoarte y combinaciones de estos estilos que suelen clasificarse como arte multimedia.

ARTE MEDIEVAL: El arte medieval es un periodo de la historia del arte que desarrollo un largo periodo para una grande extensión espacial. En la Edad Media, que va desde el siglo X al siglo XV, son más de mil años de este tipo de arte para África del norte, Europa y Oriente medio. Es por lo que el arte medieval está considerado uno de los periodos más largos de la historia del arte. Se incluyen varios movimientos artísticos en diferentes períodos entre ellos se encuentran los regionales, locales y nacionales, tiene diversos géneros, varias etapas de florecimiento a las cuales se les llamaron renacimiento, tiene obras de artes destacadas y propios artistas que en la Alta Edad Media se mantenían en el anonimato. En la Antigüedad tardía se incorporó la herencia artística clásica traída por el Imperio romano con contribuciones del cristianismo primitivo y de la cultura bárbara. Por la mezcla de estilos artísticos se produjo unas características artísticas muy particulares. Las obras de artes medievales aparecieron en un contexto donde no existía todavía la definición de arte ni tampoco existía la de la belleza, incluso tampoco existía el concepto de bellas artes o de artistas. 

ARTE MEXICANO: El arte mexicano comienza con el arte mesoamericano, creado por culturas sedentarias que construyeron ciudades, y a menudo dominios. Una vez acabó la independencia, el arte mexicano se le caracterizo por tener un estilo muy europeo y siguió con sus preferencias hasta el siglo XX, pero esta vez apareció el muralismo en México. Por lo tanto, este estilo artístico fue creciendo y desarrollándose hasta otro tipo de estilos de arte como pueden ser la artesanía o la fotografía y no fue hasta 1950 cuando se rompió totalmente con el estilo muralista y se integraron elementos de otros tipos de arte como podía ser el arte asiático.

El arte prehispánico en México pertenece a una región cultural conocida como Mesoamérica, en el centro de México en Centroamerica y abarca tres mil años desde 1500 A.C. hasta el 1500 de nuestra era, esta etapa se ha dividido en tres eras: Pre-Clásico, Clásico y Pos-Clásico. La primera cultura dominante de Mesoamérica fue la de los olmecas, fue la creadora de muchos de los elementos asociados a Mesoamérica, como el sistema de escritura, los calendarios, avances en astronomía, esculturas monumentales siendo los creadores de otras culturas como la de Teotihuacan, el pueblo zapoteco y la cultura maya.

ARTE ROMANTICO: La definición de arte romántico probablemente es una de las definiciones más cortas de todos los tipos de arte. Este tipo de arte se originó en Francia, durante la época del segundo Imperio, cuando unas nuevas tendencias y técnicas artísticas fueron apareciendo y se utilizaron para crear una contrariedad con el arte neoclásico. Es decir, el arte romántico fue un movimiento artístico que nació para crear una contrariedad con el arte clásico y por ello, este estilo de arte intentaba educar y emocionar al telespectador.

apareció a principios del siglo XIX y que tenían unas características determinadas que eran la conexión con la naturaleza, unas emociones y sentimientos abiertos, individualismo y dramatismo. Sin embargo, este estilo de arte se comparaba con el clasicismo, el clasicismo se basaba principalmente en técnicas utilizadas en el arte antiguo clásico principalmente en su arquitectura y su escultura. Es por esta razón que la diferencia entre romanticismo y clasicismo no es clara completamente ya que los artistas que se consideraban “románticos” a su vez se inspiraban y cogían técnicas de obras de arte clásicas.

Preguntas:

¿Para ti que es el arte?

¿Qué tipo arte prefieres?

(puedes contestarlas en los comentarios)

Obras representativas:

La Última Cena, Leonardo da Vinci

Esta pintura de da Vinci es la representación de la última cena, narrada en el Evangelio de San Juan. Es una obra clave del Renacimiento y todo un tratado de perspectiva. La Última Cena está pintada al óleo sobre yeso, una técnica no utilizada antes en la pintura mural, por lo que su restauración ha sido un proceso complicado. Hoy en día se encuentra en La Iglesia de Santa María delle Grazie.

                                                                                                                              

Guernica, Pablo Picasso

Guernica es probablemente una de las obras más trascendentes del pintor Pablo Picasso e igual una de las más impactantes por el tema que toca. A través de esta creación, Picasso ilustra la tragedia del bombardeo a la ciudad de Guernica durante la Guerra Civil Española, por lo que se ha convertido en uno de los símbolos más destacados en contra de la guerra. Actualmente se exhibe en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España.

Alumnos:

Irving Jassiel Canseco Urbieta

Marcelo López Pérez

Juan Manuel Ramírez Lucero